искусство создания зрительного образа спектакля (См. Спектакль) посредством декораций, костюмов, освещения, постановочной техники. Развитие Т.-д. и. тесно связано с развитием Театра, драматургии, изобразительного искусства.

Элементы Т.-д. и. (костюмы, маски и пр.) рождались в древнейших народных обрядах и играх. В древнегреческом театре уже в 5 в. до н. э., помимо здания скены (См. Скена), существовали объёмные декорации, которые в эпоху эллинизма совмещались с живописными. Принципы древнегреческого Т.-д. и. были усвоены в театре Древнего Рима, где часто применялся занавес.

Существовавший уже в античности принцип симультанной декорации (См. Симультанная декорация), (рассчитанной на одновременный показ всех мест действия) стал характерным для европейского средневекового театра, где первоначально роль фона при исполнении мистерий выполнял интерьер, а затем - наружная стена церкви. Для средневековых представлений было создано несколько типов сценических площадок, статичных или передвижных; наряду с объёмными декорациями (например, "раем" в виде беседки или "адом" в виде пасти дракона) использовались и живописные декорации (например, изображения звёздного неба). Во многих странах средневековой Азии (в том числе государствах Индокитая, в Китае и Японии) господствовали методы условно-символического оформления сцены, согласно которым отдельные детали лаконично обозначали место действия.

В 15 - начале 16 вв. в Италии, где к Т.-д. и. обращались Брунеллески, Мантенья, Леонардо да Винчи, Рафаэль и др., складывается тип перспективной декорации (Браманте, Б. Перуцци), изображающей уходящую вдаль улицу и написанной на холстах, натянутых на рамы (отдельные части выполнялись из дерева); такие декорации воспроизводили одно неизменное место действия для спектаклей определённых жанров (к середине 16 в. С. Серлио разработал 3 типа оформления - для трагедии, комедии и пасторали). Феерически-зрелищный характер придворного оперно-балетного спектакля к концу 16 - началу 17 вв. потребовал замены неподвижной декорации сменяющейся. В 17 в. всё шире использовались театральные механизмы; применение телариев (3-гранных вращающихся призм, обтянутых холстом и расписанных) позволяло осуществлять смену декораций на глазах у публики (итальянец Н. Саббатини, немец И. Фуртенбах). Усовершенствование систем Т.-д. и. привело к созданию кулис (См. Кулисы) (итальянец Дж. Алеотти) и сцены-коробки, сохраняющей господствующее положение и в 20 в. С середины 17 в. итальянская система кулисно-арочной декорации (Л. О. Бурначини, Дж. Торелли) распространилась по всем странам Европы. В городских театрах Лондона в эпоху Возрождения складывается особый тип сценической площадки с членением на нижнюю, верхнюю, заднюю сцены и выдающимся в зрительный зал просцениумом (перспективные декорации итальянского типа в Англии ввёл И. Джонс в 1-й четверти 17 в.). В России кулисные "рамы перспективного письма" были применены впервые в 1672.

В эпоху Классицизма драматургический канон единства места и времени действия способствовал господству несменяемой декорации (тронный зал, вестибюль дворца в трагедии, городская площадь, комната - в комедии), поэтому всё богатство декорационно-постановочных эффектов сосредоточилось в оперно-балетном жанре. Итальянские мастера (А. Поццо, художники из семейства Галли-Биббиена) нарушили симметрию декораций 17 в., ввели угловую перспективу, усилив средствами живописи иллюзию глубины; добиваясь большей масштабности путём изображения отдельных архитектурных частей вместо целого здания, они форсировали контрасты света и тени. В эпоху Просвещения мастера Т.-д. и. обращались к героизированным образам античности (работавшие во Франции Дж. Н. Сервандони, Г. Дюмон, П. А. Брюнетти). В конце 18 в., в связи с развитием буржуазной драмы, появились декорационные Павильоны. В Т.-д. и. России 18 в. к оформлению спектаклей привлекались иностранные мастера - Дж. Валериани и П. ди Г. Гонзаго и др. Во 2-й половине 18 в. выдвинулись талантливые русские декораторы, большинство из которых были крепостными, - братья Бельские, И. Я. Вишняков, И. Фирсов и др.

В 17-18 вв. в странах Азии кризис феодальной идеологии привёл и к нововведениям в Т.-д. и. В Японии в 18 в. сооружались здания для театров Кабуки, сцена которых имела просцениум, горизонтально раздвигающийся занавес, идущие через зал помосты-"ханамити" ("дороги цветов"); в 1758 здесь была введена вращающаяся сцена. Средневековые традиции вплоть до 20 в. сохранились во многих театрах Индии, Индонезии, стран Индокитая, где оформление ограничивается главным образом костюмами, масками и гримами.

Великая французская революция оказала значительное воздействие на Т.-д. и. На сценах парижских "театров бульваров" высокое искусство театральных машинистов позволяло воспроизводить сцены кораблекрушений, пожаров и т. д.; распространились так называемые пратикабли (объёмные детали оформления, изображавшие скалы, мосты и т. д.). В 1-й четверти 19 в. Л. Ж. М. Дагер во Франции, Ч. Баркер в Великобритании демонстрировали панорамы и диорамы в сочетании с новшествами газового освещения (вводится в 1820-е гг.). Представители Романтизма выдвинули требование исторически конкретной характеристики места действия (этому отвечали театральные работы французов Э. Делакруа, П. Делароша, Ж. Б. Изабе и др.). Декораторы и режиссёры П. Сисери, Ш. Сешан и Э. Деплешен во Франции, Ф. фон Дингельштедт в Германии создавали спектакли со сложными многокартинными декорациями и пышными костюмами, сочетая историческую точность с эффектной красивостью. Усложнение постановочной техники заставило применять занавес в перерывах между актами (впервые - в 1829 на сцене парижской "Гранд-Опера", а в 1849 здесь же - электрическое освещение). В России с 1830-х гг. главой школы "официального романтизма" был А. А. Роллер. Разработанная им техника постановочных эффектов развивалась К. Ф. Вальцем, А. Ф. Гельцером и др. Борьба со штампами роллеровской школы за национальное своеобразие русского Т.-д. и. была начата М. А. Шишковым и М. И. Бочаровым, но тормозилась условиями "казённой сцены", узкой специализацией театральных художников, делившихся на "пейзажных", "архитектурных" и т. д., а также повсеместным применением сборных и типовых декораций.

Огромное воздействие на Т.-д. и. 1870-80-х гг. оказала деятельность Мейнингенского театра (См. Мейнингенский театр), режиссёры которого, стремясь преодолеть традиции итальянской кулисно-арочной системы, придавали сценическому рельефу многообразие, в изобилии применяя пратикабли и различные архитектурные формы. В изобразительных решениях мейнингенцев сказалось влияние немецкой исторической живописи 19 в. (П. фон Корнелиуса, В. Каульбаха и др.).

В концу 1870-х гг. с критикой идеализированных, самоцельно-феерических декораций выступил Э. Золя, призвавший к "точному воспроизведению социальной среды" (его последователями в сценическом Натурализме были режиссёры А. Антуан во Франции и О. Брам в Германии). Борьбу с натурализмом возглавил театр французского Символизма (художники М. Дени, П. Серюзье, А. де Тулуз-Лотрек, Э. Вюйяр, объединившиеся вокруг режиссёров П. Фора и О. М. Люнье-По и создававшие упрощённые, изысканно-стилизованные декорации, по образному строю близкие искусству "Модерна").

Последняя четверть 19 в. - эпоха расцвета русского Т.-д. и. В. Д. Поленов, В. М. Васнецов, К. А. Коровин, В. А. Серов, М. А. Врубель утверждали в Т.-д. и. принципы целостной поэтической трактовки спектакля, используя композиционные приёмы станковой живописи. Огромное влияние на мировое Т.-д. и. оказала реалистическая реформа Московского Художественного академического театра (См. Московский Художественный академический театр) (индивидуализированное оформление каждой постановки, психологическая "жизненность" обстановки, расширение планировочных возможностей и органичная их связь с игрой актёра). Высокая живописная культура, тончайшее умение передать стиль и характер искусства различных эпох были свойственны мастерам Т.-д. и., принадлежавшим к группировке "Мир искусства" (А. Н. Бенуа, Л. С. Бакст, М. В. Добужинский, Н. К. Рерих и др.); участвуя в организованных С. П. Дягилевым гастролях русской оперы и балета в Париже (так называемые Русские сезоны за границей, с 1907), эти мастера вывели русское Т.-д. и. на мировую арену. Большое значение для русского Т.-д. и. имело также творчество А. Я. Головина, добивавшегося особой, парадной декоративности образных решений.

Режиссёры А. Аппиа в Швейцарии и Г. Крэг в Великобритании выдвинули в начале 20 в. идею "философского театра" с абстрагированными вневременными декорациями, в которых видоизменение монументальных стереометрических форм (кубы, площадки, ступени) достигалось бы светом (принципами "философского театра" руководствовались польский писатель, художник и декоратор С. Выспяньский, немецкий режиссёр Г. Фукс). Немецкий режиссер М. Рейнхардт совместно с художниками (Э. Мунк, Э. Орлик, Э. Стерн и др.) разработал разнообразные приёмы оформления: от почти иллюзионистических объёмных декораций, трансформируемых с помощью вращающегося сценического круга (введён в 1896), до обобщённых неподвижных установок, от оформления "в сукнах" до грандиозных массовых зрелищ на арене цирка. В России В. Э. Мейерхольд, разрабатывая принципы "условного театра", ввёл (совместно с художниками Головиным и Н. Н. Сапуновым) приёмы художественной стилизации, повлиявшие на становление сценического конструктивизма.

В 1910-х гг. в Т.-д. и. проникли приёмы Кубизма и Футуризма (А. А. Экстер, А. А. Веснин в России, работы П. Пикассо, А. Матисса, Ж. Брака для Русских сезонов за границей), утверждавшие самоценную "театральность", "диктаторскую" роль художника в театре, ограничивавшие свободу актёрской игры. В 1920-х гг. в Т.-д. и. (особенно в Германии) активно проявились тенденции Экспрессионизма; сдвиги и скосы плоскостей, кричащие контрасты светотени, деформации изображаемых предметов создавали мир болезненных видений. Пытаясь воспроизвести на сцене "динамизм" современного города, многие мастера станковой живописи, обращавшиеся к Т.-д. и. (Дж. Северини, Э. Прамполини в Италии, Ф. Леже во Франции), нередко замыкались в кругу самодовлеющих формальных экспериментов.

В целом в Т.-д. и. 20 в. необычайно обогатилась сценическая техника: используются синтетические материалы, люминесцентные краски, Коллажи, фото- и кинопроекции, системы зеркал, сложнейшие световые партитуры и т. д. В 1960-е гг. большое внимание почти повсеместно уделялось "внесценной" декорации, сцене-арене (в СССР разрабатывавшейся ещё с конца 1920-х гг. Мейерхольдом и Н. П. Охлопковым). 1970-е гг. характеризуются всё более интенсивным применением мотивов, навеянных народным искусством (обрядовых масок-гримов, костюмов марионеток, кукол, иногда достигающих гигантских размеров и становящихся органической частью декорации). Однако стремление создать на драматургической канве независимое сценическое произведение, во многом являющееся свободной фантазией режиссёра или художника-декоратора, приводит многих мастеров Т.-д. и. к разрушению целостного театрального образа. Этим тенденциям, усугубляемым влиянием Сюрреализма, абстрактного искусства (См. Абстрактное искусство), "Поп-арта" и др. модернистских течений, противостоит практика прогрессивных режиссёров и мастеров Т.-д. и., стремящихся хранить и развивать традиции социально заострённого реалистического искусства. Среди крупнейших мастеров западноевропейского Т.-д. и. 20 в. - Л. Дамиани, Дж. Де Кирико, В. Колоссанти, Э. Лудзатти в Италии; Р. Аллио, К. Берар, Э. Бертен, М. Детома, М. Кассандр, П. Колен, Ж. Д. Малькле, Т. Ноэль, М. Рафаэлли во Франции; С. Битон, Э. Годвин, О. Массель, Мотли (группа художниц - О. и М. Харрис и Э. Монтгомери) в Великобритании; Б. Аронсон, М. Горелик, Дж. Милцинер, Д. Онслагер, С. Федорович в США; Кисаку Ито, Такада Исиро, Канамори Каору в Японии.

Октябрьская революция 1917 создала предпосылки для расцвета многонационального советского Т.-д. и., в ходе развития которого утвердились функции художника-постановщика как одного из соавторов спектакля и понимание Т.-д. и. как изобразительной режиссуры. В 1920-е гг. эти принципы развивались в борьбе различных направлений. В работах Бенуа, Головина, Б. М. Кустодиева, Н. П. Крымова, В. А. Симова, Ф. Ф. Федоровского воплощались традиции живописной декорации, в произведениях Веснина, Л. М. Лисицкого, Л. С. Поповой, А. М. Родченко, братьев Стенберг, В. Ф. Степановой - методы конструктивизма. В ряде работ 1920-х гг. (например, у И. М. Рабиновича) самодовлеющий техницизм конструктивистских декораций успешно преодолевался. В 1930-е гг., когда в Т.-д. и. окончательно утвердился метод социалистического реализма (См. Социалистический реализм), объёмно-пространственные декорации обогатились использованием живописи, и зрительный образ спектакля обрёл поэтическую и психологическую насыщенность (Н. П. Акимов, Н. И. Альтман, М. П. Бобышов, Б. И. Волков, В. В. Дмитриев, В. Ф. Рындин, А. Г. Тышлер, Н. А. Шифрин). Ценный вклад внесли в советское Т.-д. и. и мастера станковой живописи (П. В. Вильямс, П. П. Кончаловский, Ю. И. Пименов, К. Ф. Юон). С 1950-х гг. поиски яркой сценической формы (обобщённой, но не отвлечённой, органически сочетающей конструктивное и живописное начала) отличало и лучшие работы А. Ф. Босулаева, А. П. Васильева, С. Б. Виреаладзе, Н. Н. Золотарева, М. И. Курилко-Рюмина, А. Ф. Лушина, Э. Г. Стенберга, И. Г. Сумбаташвили, В. Г. Шапорина, С. М. Юнович. Увлечения стилизованными формами народного искусства, примитивом, внешней нарядной театральностью, проявившиеся в советском Т.-д. и. 1960-х гг., сменились поисками оформительских решений, структура которых подчинена внутренней логике сценического действия, раскрывает свою образную сущность в самом процессе игры актёров. Наряду с мастерами старших поколений успешно выступают молодые художники (Д. Л. Боровский-Бродский, Э. С. Кочергин, В. Я. Левенталь в РСФСР, О. Кочакидзе, А. Н. Словинский, Ю. Чикваидзе в Грузинской ССР, В. Мазурас, Я. Малинаускайте в Литовской ССР, Г. Земгал в Латвийской ССР и др.). В Т.-д. и. советских республик ведущую роль сыграли Ф. Ф. Нирод, А. Г. Петрицкий, А. В. Хвостенко-Хвостов на Украине, П. В. Масленников, Е. Д. Николаев в Белоруссии, И. Гамрекели, С. Кобуладзе, П. Лапиашвили в Грузии, М. Арутчян, М. Сарьян в Армении, Р. Мустафаев, Н. Фатуллаев в Азербайджане, М. Мусаев в Узбекистане, И. Бальхозин в Казахстане, Х. Алабердыев в Туркмении, А. В. Арефьев в Киргизии, И. Суркявичюс, Л. Труйкис в Литве, М. Ф. Китаев, А. Лапинь, О. Скулме в Латвии, М.-Л. Кюла, Э. Рентер, В. Хаас в Эстонии.

Плодотворно развивается Т.-д. и. других социалистических стран (особенно сценография Чехословакии - Л. Виходил, В. Гофман, И. Свобода, Ф. Троёстер). Известность завоевали А. Ахрянов, И. Милев, М. Михайлов, С. Савов, А. Стойчев в Болгарии, О. Аксер, В. Дашевский, Я. Косиньский, А. Стопка, К. Фрыч, Ю. Шайна в Польше, П. Бортновский, А. Брэтзшану, Д. Немтяну в Румынии, И. Коос, Б. И. Копеши в Венгрии, К. фон Аппен, Х. Загерт, Г. Кильгер, К. Неер, Т. Отто, П. Пиловски в ГДР, Л. Бабич, М. Денич, В. Маренич, Д. Ристич, Д. Соколич в Югославии.

Лит.: Сыркина Ф. Я. Русское театрально-декорационное искусство второй половины XIX века, М., 1956; Пожарская М. Н., Русское театрально-декорационное искусство конца XIX - начала ХХ века, М., 1970; Всесоюзная выставка работ художников театра, кино, телевидения, Москва, 1967. [Каталог], М., 1972; Давыдова М. В., Очерки истории русского театрально-декорационного искусства XVIII - начала XX в,, М., 1974; Zucker P., Die Theaterdekoration des Klassizismus, B., 1925; его же, Die Theaterdekoration des Barock, B., 1925; Hainaux P. Y.-B., Le décor de théâtre dans le monde depuis 1935, Brux.-P., 1956; его же, Le décor de théâtre dans le monde depuis 1950, Brux.-P., 1964; Le lieu theatral a la Renaissance, P., 1965; Le décor de théâtre dans le monde depuis 1960, Brux.-P., 1973; Bühnenformen, Bühnenräume, Bünendekorationen, B., 1974; Bablet D., Les revolutions sceniques du XX siecle, P., 1975.

М. Н. Пожарская.

Театрально-декорационное искусство. Канбэи Хасэгава. декорация к спектаклю театра Кабуки. Токио. 1952.

Театрально-декорационное искусство. П. Пикассо. Эскиз декорации к балету М. де Фальи "Треуголка". Русский балет С. П. Дягилева. 1919.

Театрально-декорационное искусство. К. фон Аппен. Декорации к пьесе Б. Брехта "Кавказский меловой круг". Театр "Берлинер ансамбль". 1954.

Театрально-декорационное искусство. Ф. Леже. Эскиз декорации к балету Д. Мийо "Сотворение мира". "Шведские балеты" Р. де Маре. 1923.

Театрально-декорационное искусство. Г. Крэг. Эскиз декорации к трагедии У. Шекспира "Макбет". 1906.

Театрально-декорационное искусство. Сцена из спектакля "Земля" по Э. Золя. Свободный театр А. Антуана. Париж. 1902.

Театрально-декорационное искусство. Декорация теларийной сцены ("парка") по Й. Фуртенбаху. 1640.

Театрально-декорационное искусство. П. Гонзаго. Эскиз декорации "Колоннада". 1-я четв. 19 в.

Театрально-декорационное искусство. Дж. Галли-Биббиена. Декорация оперного спектакля. Придворный театр в Мюнхене. 1722.

Театрально-декорационное искусство. И. Сумбаташвили. Эскиз декорации к трагедии А. Н. Толстого "Смерть Иоанна Грозного". Театр Советской Армии. Москва. 1967.

Театрально-декорационное искусство. Д. Л. Боровский. Эскиз оформления спектакля по пьесе М. Горького "Мать". Театр на Таганке. Москва. 1969.

Театрально-декорационное искусство. Сцена из спектакля по пьесе "Разлом" Б. А. Лавренёва, оформленного Н. П. Акимовым. Театр им. Е. Б. Вахтангова. Москва. 1927.

Театрально-декорационное искусство. И. Гамрекели. Эскиз декорации к пьесе С. Шаншиашвили "Анзор". Грузинский театр им. Ш. Руставели. Тбилиси. 1928.

Театрально-декорационное искусство. М. В. Добужинский. Эскиз декорации к пасторали А. де ла Аля "Игра о Робене и Марион". "Старинный театр". Петербург. 1910.

Театрально-декорационное искусство. Н. Н. Сапунов. Эскиз декорации к пасторали М. А. Кузмина "Голландка Лиза". "Дом интермедий". Петербург. 1910.

Театрально-декорационное искусство. К. А. Коровин. Эскиз декорации к опере Н. А. Римского-Корсакова "Садко". Большой театр. Москва. 1906.

Театрально-декорационное искусство. А. Я. Головин. Эскиз декорации к опере. А. С. Даргомыжского "Каменный гость". Мариинский театр. Петроград. 1917.

Театрально-декорационное искусство. А. Роллер. Эскиз декорации к опере А. Н. Верстовского "Аскольдова могила". Начало 1840-х гг.

Л. С. Бакст. Эскиз декорации к драме Г. Д'Аннунцио "Пизанелла" (поставлена в Театре Шатле в Париже в 1913).

В. Ф. Рындин. Эскиз декорации к инсценировке Н. П. Охлопкова по роману "Молодая гвардия" А. А. Фадеева. 1947. Центральный театральный музей им. А. Бахрушина. Москва.

А. Г. Тышлер. Макет декорации к спектаклю "Ричард III" В. Шекспира (Большой драматический театр им. А. М. Горького в Ленинграде). 1935.

М. А. Шишков. Эскиз декорации к трагедии "Смерть Иоанна Грозного" А. К. Толстого. 1867.

Постановка мистерии в Валансьенне. 1547 (миниатюра Г. Кайо).

Г. Дюмон. Эскиз декорации к трагедии "Филоктет". 18 в.

Декорация комедии по С. Серлио. 1545.

Набросок декорации В. Гюго к его драме "Бургграфы".

История русского искусства отражает бурную историю страны и ее географическое положение между Востоком и Западом. Постоянно возникают дискуссии по поводу его сущности: является ли оно своеобразным воплощением западноевропейских традиций или представляет собой совершенно оригинальный феномен. Несмотря на частые политические изменения и периодически возникающие сомнения в национальной самобытности, русское художественное творчество имеет ряд отличительных черт, таких, как яркий колорит, асимметрия форм и склонность то к реализму, то к абстракции.

В период Средневековья, когда центром политической жизни Древней Руси был Киев, образцом для подражания в искусстве и источником многих художественных влияний была Византия. Татаро-монгольское нашествие в середине 13 в. и последовавший за ним период татаро-монгольского ига отрезали Русь от Запада почти на 200 лет. Завоевание независимости в 15 в. под предводительством московских князей не положило конец культурной изоляции Руси; она не испытала влияния культуры Возрождения и светского гуманизма. Только во время правления Петра I (1682-1725) и благодаря проводимой им политике на сближение с Западом Россия вернулась в лоно европейской культуры - сначала в качестве ученика, затем равноправного участника общекультурного процесса, а накануне Первой мировой войны - активного новатора в искусстве. В начале 1930-х годов Россия вновь была отрезана от Запада, когда Сталин установил режим изоляции, для того чтобы построить "социализм в одной отдельно взятой стране". Распад СССР и крушение коммунизма как системы в 1991 дали русским художникам стимул произвести переоценку ценностей и найти свое место в новой политической, экономической и культурной ситуации.

Древнерусское искусство. В 988 Киевская Русь приняла христианство в его восточном византийском варианте. Вместе с религией Русь унаследовала от Византии и художественные традиции, одной из которых было украшение храмов росписями и иконами. Слово "икона" происходит от греческого eikon (образ). Икона является посредником между реальным миром и божественным первообразом. Стиль живописи менялся в ходе веков, но художественные традиции иконописи сохранились до настоящего времени. Использование приемов стилизации и яркий, нарядный колорит, характерные для средневековой религиозной живописи, оказали влияние на творчество многих художников конца 19 - начала 20 в.

В церквах иконы помещали на стенах, столбах и алтарной преграде. В 14-15 вв. низкая алтарная преграда превратилась в высокий иконостас, отделявший прихожан от алтаря. Иконостас стал строго организованной иерархической системой священных образов, в которой иконы с изображением Христа, Богоматери, апостолов, святых и праздников располагались рядами в определенном порядке. Иконы часто украшали окладами из серебра, золота и драгоценных камней, которые могли закрывать икону почти целиком, оставляя видимыми только лики. Вначале мастеров-иконописцев приглашали из-за границы (чаще всего из Греции), а иногда привозили и сами иконы. Икона Владимирской Богоматери, привезенная из Византии в первой половине 12 в., стала образцом для огромного числа русских списков. Сохранилось очень мало домонгольских русских икон; все они в большей или меньшей степени следуют иконографии и стилю византийских образцов. Мозаики в киевском соборе Святой Софии (заложен в 1037) тоже были выполнены византийскими мастерами. В больших храмах других городов, находившихся к северу от Киева, мозаик не делали. Так, Софийский собор в Новгороде (1045-1050) был украшен гораздо менее дорогостоящими фресками.

В 1240 монгольское нашествие опустошило Киев и другие русские города и сделало практически невозможными контакты с Византией. Почти полное отсутствие внешних культурных влияний способствовало развитию региональных школ живописи, среди которых особенно выделяются московская, новгородская и псковская.

С конца 14 в. Московское княжество получило политическое преобладание над другими русскими землями, объединило их под своим главенством, а Москва стала культурным центром единого русского государства. Здесь работали три великих мастера древнерусской живописи: Феофан Грек (ок. 1340 - после 1405), Андрей Рублев (1360/1370 - ум. 1427/1430) и Дионисий (ок. 1440 - после 1502/1503), чьи иконы и фрески стали воплощением на русской почве идей духовного восхождения и единения с Богом через отказ от всего внешнего и суетного и обретение внутренней гармонии.

В 1551 Стоглавый Собор установил строгие каноны, которым должны были следовать иконописцы при создании священных образов. В 17 в. в иконопись проникают влияния западноевропейской живописи, что нашло отражение в иконах, выполненных Симоном Ушаковым (1626-1686), и сложных миниатюрных, подобных ювелирным изделиям, произведениях иконописцев Строгановской школы. В это же время стали появляться первые портреты, получившие название парсуны (от слова "персона").

Проникновение западных влияний. После воцарения Петра I в 1682 религиозная живопись не потеряла своего значения для духовной жизни, однако благодаря новой культурной политике государства в искусстве получили преобладание светские сюжеты и художественные методы, пришедшие с Запада. Снова учителя и мастера стали приезжать в Россию из-за границы, но на сей раз из Западной Европы (сначала в основном из Германии и Голландии). Перед Петром I стояла также совсем непростая задача изменения вкусов публики, приобщения к культурному наследию Европы. Некоторые его поступки, целью которых было, несомненно, просвещение народа, могли показаться современникам шокирующими, если не совершенно дикими. В стране, не знавшей античной культуры, где люди в течение более чем шести веков видели только образы религиозного искусства, воображение публики было просто поражено украшением Летнего сада статуями полуобнаженных нимф. Петр привез из Европы картины Рембрандта и других старых мастеров, заложив основу ценнейшей коллекции Эрмитажа.

Крупнейшие русские художники 18 в. - Федор Рокотов (1735. -1808), Дмитрий Левицкий (1735-1822) и Владимир Боровиковский (1757-1825). Портреты Левицкого и Боровиковского можно рассматривать в русле европейской портретной живописи 18 в., они близки произведениям Т.Гейнсборо и Дж.Рейнолдса.

Эти художники были связаны с Императорской академией художеств, которая была задумана еще Петром I, но основана только в 1757. Организованная по европейским образцам, Академия художеств осуществляла более строгий контроль и оказывала большее влияние на развитие искусства (вплоть до конца 19 в.), чем заведения подобного рода в других странах.

Орест Кипренский (1782-1836) и Карл Брюллов (1799-1852) - крупнейшие мастера русского искусства первой половины 19 в. Брюллов был первым из русских художников, завоевавших славу за границей. Его картина Последний день Помпеи (1834) была показана по всей Европе. Со временем в России появлялись новые художественные учебные заведения; так, в 1833 было основано Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Первая половина 19 в. - время сложения в русской живописи системы жанров. Алексей Венецианов (1780-1847), ученик Боровиковского, является автором идиллических сцен из крестьянской жизни и одним из основоположников бытового жанра в русском искусстве. Василия Тропинина (1776-1857) можно назвать мастером сентиментального портрета, а Павел Федотов (1815-1852) представляет бытовой жанр в его городском, более драматичном варианте. Александр Иванов (1806-1858) создал картину Явление Христа народу (1837-1857), которая является одним из ключевых памятников русского искусства 19 в.

Русский реализм. В живописи второй половины 19 в. преобладало реалистическое направление. Характер русского реализма определили вышедшие в 1863 из Академии художеств молодые живописцы, которые взбунтовались против насаждавшегося в академии классического стиля и историко-мифологической тематики. Эти художники в 1870 организовали Товарищество передвижных выставок, задачей которого было предоставление членам товарищества возможности выставлять свои работы. Благодаря его деятельности произведения искусства стали доступны более широкому кругу людей. Павел Михайлович Третьяков (1832-1898) с 1856 собирал произведения русских художников, преимущественно передвижников, а в 1892 передал свое собрание картин вместе с коллекцией брата С.М.Третьякова в дар Москве.

Передвижники работали в нескольких жанрах (бытовом, портрете, историческом жанре и пейзаже). В пейзажной живописи главной тенденцией было воспевание красоты русской природы. Среди передвижников, работавших в жанре пейзажа, наиболее известны И.И.Шишкин (1832-1898), А.И.Куинджи (1842-1910), В.Д.Поленов (1844-1927), И.И.Левитан (1860-1900).

В жанре портрета передвижники создали галерею образов выдающихся деятелей культуры своего времени: портрет Федора Достоевского (1872) кисти Василия Перова (1833-1882), портрет Николая Некрасова (1877-1878) Ивана Крамского (1837-1887), портрет Модеста Мусоргского (1881), выполненный Ильей Репиным (1844-1930), портрет Льва Толстого (1884) Николая Ге (1831-1894) и ряд других. Находясь в оппозиции к Академии и проводимой ею художественной политике, передвижники обращались к т.н. "низким" темам; в их работах появляются образы крестьян и рабочих.

В жанре исторической живописи работали Василий Суриков (1848-1916), Михаил Нестеров (1862-1942), Василий Верещагин (1842-1904), Илья Репин.

Искусство и революция. К 1890-м годам наметился кризис реалистического направления в искусстве. Рубеж 19-20 вв. был ознаменован в России господством стиля модерн. Это художественное направление, существовавшее под разными названиями почти во всех европейских странах, наиболее ярко проявилось в произведениях архитектуры и декоративно-прикладного искусства.

Михаил Врубель (1856-1910) является одним из представителей стиля модерн в русской живописи. Благодаря деятельности Сергея Дягилева (1872-1929) и Александра Бенуа (1870-1960) по организации художественных выставок и изданию журнала "Мир искусства" (изд. с 1898) русская публика получила возможность знакомиться с новыми течениями в зарубежном искусстве. В 1906 прошла первая выставка русского искусства в Париже, а начиная с 1909 там ежегодно проводились Русские балетные сезоны. Авторами декораций и костюмов для этих спектаклей были Лев Бакст (1866-1924) и Николай Рерих (1874-1947).

Накануне Первой мировой войны в русском искусстве появился целый ряд художественных группировок, выступавших с разными теоретическими программами. Наталья Гончарова (1881-1962) и Михаил Ларионов (1881-1964) стали создателями русского примитивизма, а в 1912 - "лучизма". В 1910 Василий Кандинский (1866-1944) написал свою первую беспредметную композицию; Владимир Татлин (1885-1953) около 1913 приступил к созданию трехмерных абстрактных конструкций и пространственных рельефов; Казимир Малевич (1878-1935) в 1915 сформулировал концепцию супрематизма.

Творческие поиски получили второе дыхание и новую энергию после революции 1917. Некоторые художники эмигрировали, в том числе Гончарова и Ларионов, но большинство деятелей авангарда приняли революцию и сыграли видную роль в "культурной революции". Искусство расценивалось как мощное средство пропаганды и существенный фактор в формировании нового общества. Императорская академия художеств была заменена децентрализованной системой автономных мастерских и теоретических институтов. Кандинский возглавил Институт художественной культуры (ИНХУК); Марк Шагал (1887-1985) и Малевич создали Экспериментальную школу искусств в Витебске, в основу которой легла теория Малевича о супрематизме.

Большую роль в создании русского авангарда сыграли женщины - Варвара Степанова (1899-1958), Любовь Попова (1889-1924) и Ольга Розанова (1886-1918). Искусство вышло на улицы; художники рисовали плакаты и оформляли площади для массовых политических акций и праздников, разрабатывали новый дизайн тканей, керамики, интерьеров; на 1920-е годы пришелся расцвет графики и книжной иллюстрации. Александр Родченко (1891-1956) работал в самых разных областях, он был живописцем, кинооператором, дизайнером мебели.

Чтобы представить, насколько разные стили сосуществовали в живописи 1920-х годов, достаточно вспомнить такие имена, как Павел Филонов (1883-1941), Кузьма Петров-Водкин (1878-1939), Александр Дейнека (1899-1969). Однако некоторые художники, например Исаак Бродский (1884-1939), вернулись к традиционному реализму.

Различные художественные организации и стили существовали лишь до конца 1920-х годов. В сложившихся политических условиях государство постепенно становилось абсолютным монополистом в сфере художественного заказа и финансирования.

Социалистический реализм и его последствия. Постановление ЦК ВКП(б) от 23 апреля 1932 положило конец плюрализму художественных направлений. Все художественные объединения были распущены, вместо них введены союзные и республиканские профессиональные союзы писателей, художников и композиторов. В 1934 социалистический реализм, суть которого определялась как "правдивое и исторически верное изображение действительности в ее революционном развитии", был провозглашен официальным стилем советского искусства. Произведения передвижников 19 в. было настоятельно "рекомендовано" взять за образец для подражания. Многие художники стали жертвами политических репрессий, потому что их творческие концепции не вписывались в узкие рамки государственной идеологии. В музеях значительно уменьшились экспозиции, посвященные западному искусству 20 в. Чтобы осуществлять контроль над обучением, была восстановлена Академия художеств. Цензура обеспечивала нужное направление развития истории искусств и критики. Примером официально ангажированного искусства может служить картина Александра Герасимова (1881-1963) Сталин и Ворошилов в Кремле.

Во время хрущевской "оттепели" наряду с теми, кто продолжал прославлять успехи советской промышленности, небывалые урожаи и передовиков производства, появилась целая плеяда мастеров, которые стали обращаться к личным, общечеловеческим темам. Некоторые произведения авангарда 1920-х годов, находившиеся под запретом, стали появляться в залах музеев. Цензура была ослаблена, отдельные художники и направления в искусстве прошлого были реабилитированы. СССР стал более открытым для остального мира обществом. В 1957, во время Международного фестиваля молодежи и студентов, и в 1959, на первой американской выставке в Москве, было показано новое, неизвестное ранее искусство. Как результат большей творческой свободы наступил расцвет неофициального искусства, существовавшего параллельно с государственным заказом.

Годы пребывания у власти Л.И.Брежнева (1964-1982) были связаны с экономическим застоем и продолжением политики государственного контроля над искусством. Выставка, устроенная под открытым небом художниками-нонконформистами в Москве осенью 1974, была сметена бульдозерами; после этого некоторые крупнейшие мастера современного искусства, в т.ч. скульптор Эрнст Неизвестный (р. 1926), решили эмигрировать.

Истинный плюрализм в искусстве наступил только с приходом к власти М.С.Горбачева (1985-1991). Его попытка оживить социализм при помощи гласности и перестройки принесла свободу художественного творчества и пробила железный занавес. Вместе с проведением реформ, направленных на создание свободного рынка, закончилась эпоха государственного контроля в сфере искусства. Начиная с персональных выставок Малевича и Филонова, проходивших в 1988, музеи стали постепенно доставать из своих запасников произведения, находившиеся под запретом с начала 1930-х годов. Не контролируемые более цензурой, начали появляться статьи и художественные издания, посвященные культурной жизни России 20 в. и первых лет революции. Проведение в июле 1988 в Москве международного аукциона произведений русского искусства 20 в. под эгидой Министерства культуры СССР положило конец эпохе государственной монополии в области культуры.

После распада СССР в 1991 и крушения коммунизма перед российскими художниками открылись новые возможности. Государственный контроль над преподаванием искусства в школах, над профессиональным образованием и идеологическим содержанием уступил место полной свободе объединений и творческого самовыражения. Появились художественные группировки и частные галереи, многие из которых пользуются спонсорской поддержкой банков и коммерческих предприятий. Что касается стиля, то в современном искусстве можно найти все: от неопримитивизма и стилизаций под народные промыслы до сюрреализма и абстракционизма. Кардинальное изменение системы ценностей привело к глубокому кризису в умах людей. Многих сейчас занимает вопрос, не исказит ли новый дух коммерции то высокое призвание, на которое в культурной и политической жизни России всегда претендовало искусство.